樣式（Pattern），其實是一個數學名詞（註一），它關切的是幾何、對稱、複製、旋轉、鏡像、無限…等抽象概念。淺顯的樣式所呈現的無外乎是重複性或週期性的圖像，例如條紋、格子、折線、波卡圓點等幾何圖像，或花卉、植物、昆蟲等自然有機圖像，而深沉的樣式則是蘊含於隱性脈絡的文明軌跡之中，例如數學函數、文法構成、建築結構分析…等等。樣式，一直是人們解讀自然與再現人類文明的重要工具，特別是透過數學演譯所產生的樣式；十三世紀，義大利數學家Fibonacci發明了第一個遞迴數列–費氏數列（Fibonacci Sequence），他發現在1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89…所組成的無窮數列中第三個數字必然等於前兩個數字總和的樣式邏輯（註二）；費氏數列的出現，不僅解釋了像是松樹毬果的鱗片、向日葵的花瓣數列、鸚鵡螺的同心螺紋（圖1）…等等的自然演化動力邏輯，同時也再次印證了歐幾里得的「黃金分割」（Golden Section）理論，當費氏數列趨近於無窮時，相鄰兩個數字的比值便愈接近黃金比例的1.6180339887數值。黃金分割，文藝復興後期的德國天文學家Johannes Kepler稱之為神聖分割，是奠定西方美學與藝術根基的重要觀念，從古希臘的帕德嫩神廟（Parthenon）（圖2），乃至於Leonardo da Vinci的「維特魯威人」（Vitruvian Man）（圖3）便處處可見黃金分割；黃金分割，不僅定義了整個宇宙的合諧運轉，同時也延伸了數學演譯與藝術創作之間的線性樣式邏輯。

圖1：自然界處處可見費氏數列（Fibonacci Sequence）的例證，例如：向日葵的花瓣數列永遠只會出現34及55兩種數字。圖片來源：L.Shyamal。

圖2：帕德嫩神廟（Parthenon）所呈現的黃金分割比例。圖片來源：wikipedia.org。

圖3：Leonardo da Vinci的「維特魯威人」（Vitruvian Man）所呈現的黃金分割比例。圖片來源：wikipedia.org。

十六世紀的荷蘭藝術家，M. C. Escher便是透過數學的幾何形變進行藝術創作。在他的Symmetry系列作品裡，Escher大量地運用了動物、昆蟲、飛鳥，及游魚等生物形體，藉由對稱鏡射的畫面配置，創造出無限複製的規律壁紙圖像樣式（Graphic Pattern）（圖4），此外，Escher也運用了數學型態分析創作了許多經典的錯視作品，最有名的像是Waterfall黑白木刻（圖5）， Escher透過平面畫面的邏輯配置，將流水與瀑布同時安排於認知中的同一平面，創造了現實空間所無法建構的超現實情境；從Escher的創作裡不難發 現，「規律」（Order）是所有作品的共通準則，無論是重複性的「規律」或是鏡射的「規律」，而「規律」也正是數學演譯與圖像樣式之間的重要演化原則之 一。

圖4：M. C. Escher的Symmetry No.20所呈現的複製鏡射圖像樣式。圖片來源：M. C. Escher Foundation

圖5：M. C. Escher的Waterfall黑白木刻。圖片來源：M. C. Escher Foundation。

M. C. Escher的創作所建構的仍是一個具象的圖像樣式結論，整個由數學幾何衍生發展的抽象藝術思維則一直到二十世紀中期才由德國的包浩斯（Bauhaus） 及荷蘭的風格主義（De Stijl）所確立，著名藝術家如Wassily Kandinsky（圖6）、Piet Mondrian（圖7）、Theo van Doesburg（圖8）…等等，他們共通的特性便在於運用純粹抽象的幾何線條或色塊等最原始的繪畫元素，重新檢視現代藝術從印象派 （Impressionism）及立體派（Cubism）一脈相承的再現意義。Mondrian等人的抽象思維後來也直接引領了接下來包括抽象表現主義 （Abstract Expressionism）、普普藝術（Pop Art）、歐普藝術（Op Art）、極微主義（Minimalism），以及觀念藝術（Conceptual Art）等等藝術運動，也因此，整個現代藝術所呈現的抽象圖像樣式也因此顯的更加多元，更具活力，甚至是超越規律的動態混沌（Chaos）。

圖6：Wassily Kandinsky的Composition X。圖片來源：wikipedia.org。

圖7：Piet Mondrian的Composition with Red, Yellow and Blue。圖片來源：wikipedia.org。

圖8：Theo van Doesburg的Counter-Composition V。圖片來源：wikipedia.org。

混沌，是1960年代才興起的科學革命，它與相對論及量子力學並列為二十世紀最偉大的科學發現，其主要的關注在於無秩序的以及隨機的騷動，例如天氣、海 洋、搖擺的旗幟、心臟的跳動…等等（註三），希望能藉由科學的分析，合理地解釋這些動態的自然變化。混沌，同時也展現在美國抽象表現主義藝術家 Jackson Pollock的滴彩畫作上，Pollock曾謂：「我關注的是大自然的韻律。」他的畫也每每呈現出來自於上帝之手的驚奇，從1947年起， Pollock即嘗試透過特殊的滴彩技巧，在直覺與潛意識的雙重制約下，將油彩源源不絕地傾灑在橫展的畫布上，從而創造出獨特的連續軌跡，後人認為整個 Pollock的創作行動並非全然地由非自主的潛意識所操控，反而是存在著縝密的構成意識；例如Pollock於1947年所創作的名為Full Fathom Five（圖9）的作品，Pollock先是作大面積滴彩，然後再沿著畫布周圍邊走邊滴，隨著當時的潛意識情境，讓自身的運動與滴彩韻律協調配合，先是綠 色，再是黑色、白色、紫色、黃色…，整個創作的過程，Pollock試圖將「時間」也同時融入創作的「空間」中。

圖9：Jackson Pollock的Full Fathom Five。圖片來源：MoMA，The Museum of Modern Art。

「為什麼幾何學被認為生澀無趣？原因之一是它無法用來描述雲、山、樹木、或海岸線的形狀。雲並非球狀，山非圓錐形，海岸線非圓的，樹皮並非光滑的，而閃電也不是走直線。」（註四）
– Benoit B. Mandelbrot，The Fractal Geometry of Nature，1977

Jackson Pollock的創作，其實是混沌過後所遺留的抽象圖像樣式，完全違背傳統的古典歐幾里得幾何定義，波蘭數學家Benoit B. Mandelbrot稱之為「碎形幾何」（Fractal Geometry）（註五），他認為碎形是一種幾何形狀，彎彎曲曲的，有著不規律的變化，像是一般平滑幾何形體破裂後而產生的形狀，所以通稱為「碎形」。 「碎形」證實了Pollock的畫作裡其實潛藏了某種源自於自然無序的微妙規則，Pollock其實嘗試以微觀的角度，透過縝密的滴彩佈局，重新定義混沌裡的無秩序隨機騷動，然後將之帶入非線性的抽象圖像樣式討論，進而創造古典幾何所無法描述的自然現象。

抽象圖像樣式在現代藝術運動裡一直扮演著舉足輕重的角色，無論是承襲自古典歐幾里得幾何的線性抽象圖像樣式，或是混沌之後所遺留的「碎形」幾何非線性抽象圖像樣式，其實都在嘗試以數學演譯解讀人們所存在的複雜世界，進而建立共同的溝通符碼與價值認知。當然，除了抽象圖像樣式之外，啟蒙自十九世紀末期法國巴黎的新藝術運動（Art Nouveau）則是以更直接、更生活化的花卉、植物、昆蟲等源自於自然界的具象圖像樣式與人們溝通，無論是透過建築、室內、裝飾，及繪畫等多重面向，新藝術運動主張以更充滿活力的動態線條，以及新的材料，新的價值觀，將當時人們的生活帶往更豐富繽紛的自然圖像世界。

由法國建築師Hector Guimard在1899所設計的巴黎Porte Dauphine地鐵出口是新藝術運動的重要藝術成就表徵之一（圖10），整座建築物完全是以有機花草型態的鍛鐵與玻璃所構築而成，圓順流暢，渾然天成， 完全展現新藝術運動取材自然，精雕細琢的設計思維。新藝術運動雖源自於巴黎，但同一時期包括維也納的分離派（Sencessionism），及英國的工藝 美術運動（Arts and Crafts Movement）等藝術運動亦不約而同地表達了類似的形式宣言，例如由奧地利建築師Joseph Maria Olbrich所設計的維也納分離派總部建築（圖11），除了是整個分離派運動的精神指標外，其外觀由枝葉圖像樣式所構築的金色鏤空球體更是分離派自絕於 歷史潮流之外，追求獨特形式的最佳設計典範。類似的金碧輝煌也同時展現於另一位著名分離派藝術家Gustav Klimt的畫作上，Klimt聞名於世的創作特色便在於大量且奢華的金色圖像樣式運用，例如Klimt於1908年所創作的The Kiss作品（圖12），畫中描繪一位身著黑白色塊圖像樣式外衣的男性，俯身擁吻另一位身著花草圖像樣式外衣的跪姿女性，整幅畫透過不同的圖像樣式，或交 錯、或堆疊、或相融，迂迴傳達畫中男女複雜曖昧的互動關係，在Klimt的畫中，樣式不再只是裝飾的符號，而是富有表情的抽象溝通，Klimt的畫作可謂 將分離派的反古典傳統及崇尚自然的藝術宣言，藉由多樣的圖像樣式表達，展露無遺。

圖10：Hector Guimard的Porte Dauphine地鐵出口。圖片來源：wikipedia.org。

圖11：Joseph Maria Olbrich所設計的維也納分離派總部建築。圖片來源：wikipedia.org。

圖12：Gustav Klimt的The Kiss。圖片來源：wikipedia.org。

新藝術運動可謂是花草圖像樣式豐富繽紛的全盛時期，雖然曾一度在嚴謹的現代運動（Modern Movement）被認為是無用的裝飾；一直到1960年，當後現代折衷主義大行其道之時，花草圖像樣式的自然設計風格才再度抬頭，至此，它不但被大量運 用在六零年代的空間設計、家具設計、產品設計，乃至於時尚設計，同時，這樣的潮流也一直延續到百年後的今天，一般通稱為「六零時尚」（Sixties Feelings）。

「六零時尚」在當代的設計思維中一直扮演著舉足輕重的地位，它所引領的其實是顛覆傳統、回歸真實的社會思潮，而所傳承的也正是從新藝術運動以來所不 斷強調的崇尚自然、解放傳統的自由設計理念。花草圖像樣式的設計運用在當代產品設計師Marcel Wanders的作品裡可謂發揮至極致；像是Wonders於2001年為其自有品牌Moooi設計的Crochet咖啡桌（圖13）、2002年的 Bottoni沙發（圖14）、2006年的Flower Chair單椅（圖15），2005年為Moroso設計的Print系列沙發（圖16），以及同年為知名荷蘭家電品牌HE所設計的家庭劇院系列（圖 17），均呈現大量且豐富質感的花草圖像樣式。Wanders不僅將花草圖像樣式繽紛呈現於其家具設計或產品設計作品，同時也展現於獨特的品牌操作上； 2007年春天，Wanders與知名運動時尚品牌PUMA共同發表了Wanders@PUMA的全新品牌（圖18），Wanders為其量身打造了一套 黑白相間的花草圖像樣式，套用在包括帳篷、旅行箱、等運動休閒產品上（圖19），充分展現出兼具活力與時尚的Lounge in a Style品牌哲學。

圖13：Marcel Wanders設計的Moooi Crochet咖啡桌。圖片來源：Marcel Wanders。

圖14：Marcel Wanders設計的Moooi Bottoni沙發。圖片來源：Marcel Wanders。

圖15：Marcel Wanders設計的Moooi Flower Chair單椅。圖片來源：Marcel Wanders。

圖16：Marcel Wanders設計的Moroso Print系列沙發。圖片來源：Marcel Wanders。

圖17：Marcel Wanders設計的HE家庭劇院系列。圖片來源：Marcel Wanders。

圖18：Marcel Wanders的Wanders@PUMA品牌圖像樣式。圖片來源：lasplash.com。

圖19：Marcel Wanders的Wanders@PUMA的運動休閒系列產品。圖片來源：mocoloco.com。

圖像樣式因其獨特之強制性認知使然，往往非常容易成為人們生活經驗與價值認同的一部份，因此，Marcel Wanders其實是企圖以其精心設計的花草圖像樣式創造Wanders@Puma獨特的品牌形象。類似的操作同時也展現在由黑、白、紅三種顏色相間交錯的Burberry格子（Burberry Check）圖像樣式上（圖20）；從1924年起，Burberry格子便一直是英國時尚品牌Burberry獨一無二的經典設計，數十年來， Burberry格子不僅已成為其無形的品牌資產，同時也是其依然保有其前衛時尚領導地位的重要識別元素，因為人們的認知模式永遠是圖像先行於文字，因 此，有大部分的人其實都是先認識Burberry格子，之後才進一步建立Burberry的品牌認知。經典的圖像樣式設計就如同藝術創作一般，它必須結合 文化、時尚、美學，以及認知科學，方能歷久不衰，進而深入人心而成為人們生活經驗的一部份；除了Burberry之外，類似的圖像樣式品牌經驗也呈現在 LOUIS VUITTON（圖21）、VERSACE（圖22），以及Paul Smith（圖23）等經典時尚品牌的視覺呈現上，因此，獨特的圖像樣式設計幾乎已成為大部分時尚品牌的重要品牌資產，同時也是他們之所以歷久彌堅的關鍵 所在。

圖20：Burberry的Burberry格子（Burberry Check）的圖像樣式。圖片來源：Burberry。

圖21：LOUIS VUITTON的圖像樣式。圖片來源：LOUIS VUITTON。

圖22：VERSACE的圖像樣式。圖片來源：VERSACE。

圖23：Paul Smith的圖像樣式。圖片來源：Paul Smith。

品牌的認同除了來自於平面視覺的圖像樣式之外，同時也形塑自三度空間的全方位經驗認知；1999年8月，時尚品牌LOUIS VUITTON位於日本名古屋的第一家旗艦店正式開幕（圖24），這是LOUIS VUITTON在全球的第一家獨立完整的建築店面，由日本建築師Aoki Jun（青木淳）擔綱設計；Jun在本案完全揚棄LOUIS VUITTON過去的古典奢華主義，取而代之以簡單、現代的玻璃盒子建築，Jun透過大片佈滿圖像樣式的玻璃帷幕，營造出日夜大異其趣的都市景觀，白天的 旗艦店就如同一座半透明的水晶鏡盒，璀璨逼人，而一到夜晚則幻化為一座佈滿LV圖騰的透明燈籠，全新的旗艦店外觀不僅完全呼應LOUIS VUITTON所引以為傲的經典圖像樣式，同時也正式向外宣告，未來LOUIS VUITTON的品牌形象將從原有的產品形象延伸至與都市環境息息相關的建築設計上；緊接著名古屋旗艦店，Jun亦延續整個LOUIS VUITTON的樣式風格，陸續完成了銀座（圖25）、表參道（圖26）、六本木（圖27）、紐約、香港…等旗艦店的建築設計。

圖24：Aoki Jun設計的LOUIS VUITTON名古屋旗艦店。圖片來源：Aoki Jun。

圖25：Aoki Jun設計的LOUIS VUITTON銀座旗艦店。圖片來源：Aoki Jun。

圖26：Aoki Jun設計的LOUIS VUITTON表參道旗艦店。圖片來源：Aoki Jun。

圖27：Aoki Jun設計的LOUIS VUITTON六本木旗艦店。圖片來源：Aoki Jun。

圖像樣式在當代建築設計的運用，除了表層符號的溝通之外，也同時展現在造型及結構的運用。位於東京表參道，由另一位日本建築師Toyo Ito（伊東豐雄）所設計的TOD旗艦店則展現了不一樣的圖像樣式情趣（圖28），有別於一般規律性複製的圖像樣式，Ito運用不規則的線條圖像樣式包被 整座建築物，進而營造出類似樹籠的豐富建築表情。類似的不規則的線條圖像樣式也展現在瑞士建築師Herzog and de Meuron所設計的北京奧運競技場設計案（圖29），所不同的是Ito呈現的是不平衡的造形美，而Herzog and de Meuron所表達的則是不平衡的結構美，在此一設計案，Herzog and de Meuron大膽地採用不規則的結構系統以創造大跨距的競技場使用機能，經過層層的線型結構包覆，呈現出超越規律的有機自然結構；Herzog and de Meuron北京奧運競技場其實就像是一座大型鳥巢，在複雜無秩序的表層底下，蘊藏著嚴謹的結構邏輯，就如同Jackson Pollack的縝密的滴彩佈局所呈現的不規則「碎形」，Herzog and de Meuron所欲展現其實是對自然的重新解讀，進而重新定義混沌裡的無秩序隨機騷動邏輯。

圖28：Toyo Ito設計的TOD旗艦店。圖片來源：Hirano Eureka。

圖29：Herzog and de Meuron設計的北京奧運競技場設計案。圖片來源：Herzog and de Meuron。

圖像樣式，不僅架構了整個人類的文明，同時也成就了人們與自然的對話，無論是透過建築、空間、繪畫…，數千年來，人們不斷地嘗試為所接觸的現象與環境創造超越現實的圖像樣式，為的就是讓本身更加瞭解所在的宇宙蒼穹，因此，不論是二十一世紀的Herzog and de Meuron還是十九世紀的新藝術運動，其實都在追求相同的理想成就。圖像樣式，不僅是人們解讀世界的工具，同時也是改變世界的武器，也唯有圖像樣式，可 以讓人們以更輕鬆的角度看清楚人類文明的演進脈絡。

圖1：西班牙設計師Patricia Urquiola，取自於：Moroso: Galleria Illy。

圖2：Patricia Urquiola的2005年科隆傢俱展「理想住屋」（Ideal House）設計案，取自於：www.designboom.com。

圖3：Patricia Urquiola設計的「理想住屋」的入口，取自於：www.designboom.com。

圖4：懸吊於空中的B&B Italia的Fat Fat小桌，取自於：www.designboom.com。

整個「理想住屋」設計案其實就像是一個Patricia Urquiola關於「表層」（Skin）的實驗場，包括具象的視覺「表層」，以及抽象的感知「表層」；具象的視覺「表層」像是材質、色彩、造型，及空間 等等，而抽象的感知「表層」則像是內外空間經驗，及視覺穿透等等…，基本上Urquiola企圖透過「表層」的多樣陳述，傳達其對動態空間經驗的獨特見 解。

首先是具象的視覺「表層」；在「理想住屋」設計案裡，Patricia Urquiola除了以巨大的編織線簾為整體結構套上一層外衣之外，Urquiola同時也為空間內的每一座設計單品，包括Moroso的Fjord系列 單椅（圖5）、Hammock吊床（圖6），以及Dirade的Flo Chair（圖7）等單品傢俱也都穿上多彩繽紛的花樣「表層」。基本上，Urquiola除了藉此編繩式樣展現其細膩的女性特質之外，同時也預告了接下來 2006年及 2007年的新奢華時尚風格；正如同另一位知名家具設計師Marcel Wanders於2005年推出的Moroso Print系列沙發（圖8），以及其稍後與運動時尚品牌Puma共同創造的Wanders@Puma系列產品（圖9）所揭示的「六零時尚」 （Sixties Feeling）風格，Patricia Urquiola在2005年「理想住屋」所提出的編繩式樣，以及2006年為Moroso設計的Antibodi系列單椅所呈現的花團錦簇（圖10）， 可謂與「六零時尚」新奢華風格不謀而合，自此，整個傢俱工業也正式從原本簡約舒適的的布爾喬亞品味，步入多彩豐富的全新「六零時尚」解放奢華。

圖5：Moroso的Fjord系列單椅，取自於：www.designboom.com。

圖6：Moroso的Hammock吊床，取自於：www.designboom.com。

圖7：Driade的Flo單椅，取自於：www.designboom.com。

圖8：Marcel Wanders設計的Moroso Print系列沙發，取自於：Moroso。

圖9：Marcel Wanders與運動時尚品牌Puma共同創造的Wanders@Puma系列產品，取自於：Puma。

圖10：Patricia Urquiola設計的Moroso Antibodi系列沙發，取自於：Moroso。

除了花樣「表層」之外，材質是Patricia Urquiola對視覺「表層」的另一個堅持。Urquiola擅長運用複合材質表層創造半穿透視覺效果，例如她為Kartell設計的T-table系 列作品（圖11），細膩的鏤空雕花，搭配一體成型的壓克力樹酯材質，不難發現Urquiola嘗試藉由新的材料創造輕盈感及流動穿透性的強烈企圖；再如她 為B&B Italia設計的Lens系列傢俱（圖12），Urquiola更是大膽地採用3M的透鏡膠片加上玻璃作為表面材質，將其鑲嵌於簡約的框架設計裡，營造 出類似萬花筒的花樣繽紛卻又深具視覺景深的特殊效果；同樣先進的嘗試也展現在Urquiola於2003年為Foscarini設計的Bague燈飾（圖 13），Urquiola選用了工業用鐵網並外覆一層矽膠作為表層材質，進而創造出半穿透的透光效果，不僅兼顧其實用面，同時也成就其藝術價值。基本上， Urquiola對於材質的實驗可謂完全展現其半穿透的設計理念，無論是傢俱本身，甚至是其所處的空間氛圍。

圖11：Patricia Urquiola設計的Kartell T-table系列作品，取自於：Kartell。

圖12：Patricia Urquiola設計的B&B Italia Lens系列傢俱，取自於：B&B Italia。

圖13：Patricia Urquiola設計的Foscarini Bague燈飾，取自於：Foscarini。

Patricia Urquiola在「理想住屋」設計案裡曾謂：「我喜愛面紗（Veils）」，「我想要蓋一座穿衣服的房子」，她以充滿女性特質的時尚觀點切入空間設計， 希望藉此塑造出一處結合衣著、時尚，充滿曖昧半穿透的動態自由空間；其實，從現代運動以來，衣著、時尚、空間與建築即存在著密不可分的關係，1923年， 法國建築師Le Corbusier在 「邁向新建築」（Vers une architecture）一書中提出了「自由立面，開放平面」（Free Façade，Open Plan）的概念（註二），Le Corbusier認為建築結構與平面立面應是分開的系統（圖14）（註三），因之建築師在規劃平面立面時便可無需考慮承重牆的位置，進而自由發揮設計創 意；Le Corbusier在1928年的Villa Savoye設計案完全實踐了此一理論，透過獨立的結構系統，Le Corbusier創造了Villa Savoye二樓的水平窗帶（圖15），開拓了一望無際的遼闊視野，因為開放平面，整個Villa Savoye是由一座斜坡道所貫穿，所有的動線完全脫離結構的限制，也因此成就了複雜的空間機能（圖16）。進一步思考，Le Corbusier的「自由立面，開放平面」理論同時也揭露了建築立面作為感知「表層」（Skin）的的概念，建築的外觀其實是無須反映內在空間機能，它 所表達的應是本身的宣言，無論是對於時尚、文化、歷史及所處的時代，就如同人們的衣著往往呈現的是每個人的存在意義及價值觀。

圖14：Le Corbusier的Domino Skeleton，取自於：www.arch.columbia.edu。

圖15：Le Corbusier的Villa Savoy建築外觀，取自於：Wikipedia。

圖16：Le Corbusier的Villa Savoy室內空間，取自於：Wikipedia。

感知「表層」的設計操作一直是建築與時尚結合的重要關鍵，除了Le Corbusier的作品外，包括之後的Robert Venturi、Toyo Ito（伊東豐雄），乃至於如Frank Gehry、Jean Nouvel、Herzog and de Meuron、Rem Koolhaas等當代建築明星的作品幾乎處處可見類似「自由立面，開放平面」的討論。例如Toyo Ito的仙台媒體中心（Sendai Mediatheque）設計案（圖17-18），Ito藉由海草的搖曳概念，設計了十三組獨立的管狀結構系統（圖19），用以支撐七層樓每層約40公分 厚的樓板，然後包被與大型的玻璃帷幕，乍看整個建築體就像是一個大型的水族箱，只見光線從兼俱天井功能的管狀結構體頂端宣洩而下，有時發光，有時黯淡… Ito稱之為 「交融建築」（Blurring Architecture）（註四），他所要創造的是模糊的感知「表層」，透過「表層」傳達自然景象所無法呈現的絕對純粹與如夢之幻境，Ito在此案不僅 開拓了全新的建築結構概念，同時也成就了超現實的透明森林都市景觀。另外如Herzog and de Meuron位於日本青山的Prada旗艦店設計案（圖20-21），於本案，Herzog and de Meuron延續其對於材料的實驗態度，為Prada打造了一座鑲嵌大型凹凸透鏡表面的水晶時尚地標，Herzog and de Meuron希望透過此一建築重新定義人們的購物行為，至此，商品將不再只是空間內的陳設物，而是空間的一部份，而整個購買行為也將昇華成為空間活動及表 演的一部份，因此，整棟Prada的旗艦店就像是一座活生生的商業展覽，觀眾透過建築表面的凹凸透鏡，觀賞持續演出的超現實消費行為（圖22）。

圖17：Toyo Ito的仙台媒體中心建築外觀，取自於：www.detail.de。

圖18：Toyo Ito的仙台媒體中心室內空間，取自於：www.galinsky.com。

圖19：Toyo Ito的仙台媒體中心結構分析，取自於：www.pushpullbar.com。

圖20：Herzog and de Meuron的Prada旗艦店建築外觀，取自於：Business Week。

圖21：Herzog and de Meuron的Prada旗艦店室內空間，取自於：www.galinsky.com。

圖22：Herzog and de Meuron的Prada旗艦店入口，取自於：www.galinsky.com。

Herzog and de Meuron將Prada的旗艦店化身為購物消費的表演台，正如同Patricia Urquiola在「理想住屋」設計案裡所亟欲表達的「理想瞬間」動態空間經驗–「所有的物件都應該是室內景觀的一部分，不應單獨存在」，空間不再是固定 的刻版印象，而是是一連串的感知「表層」啟發，所有室內的功能物件、室外的立面造型，乃至於使用者的游移活動，都應該是整體空間經驗的一部分；相同的概 念，同時體現在Urquiola於2005年在中國上海淮海中路的Club BonBon室內設計案（圖23），整個空間是由30個DJ台、30個開放吧台、大膽絢麗的反射鏡面、流暢的動線規劃，以及由Urquiola親手打造的 每一件傢俱配件所組構而成，每到夜晚，只見結合五彩絢爛的雷射燈光、節奏電音以及羅織穿梭的時尚男女，整個Club BonBon立即化身為一個沒有邊界的時尚伸展台，每一個人在此盡情地表現自我，隨時創造屬於個人的「理想瞬間」，進而完全融入Urquiola所潜心經 營的空間氛圍中。

圖23：Patricia Urquiola的Club BonBon室內設計案，取自於：Club BonBon。

圖24：Patricia Urquiola設計的B&B Italia Fat Fat系列傢俱，取自於：B&B Italia。

圖25：Patricia Urquiola設計的Moroso Bloomy單椅，取自於：Moroso。

圖26：Patricia Urquiola設計的Alessi Bukcle手錶，取自於：Alessi。

圖27：Patricia Urquiola設計的Moroso Shanghai tip沙發，取自於：Moroso。

或許是Patricia Urquiola多樣的教育與專業背景使然，多年以來，Urquiola的作品，從2002年B&B Italia的Fat Fat系列（圖24）、2004年Moroso的Bloomy單椅（圖25）、2005年Alessi的Bukcle手錶（圖26），乃至於2006年 Moroso的Shanghai tip沙發（圖27），無論是建築、空間、傢俱，或是產品，處處可見Urquiola不斷地突破「表層」極限的企圖，Urquiola認為設計師的角色便 在於突破「極限」，而這個「極限」，相信也是Herzog and de Meuron及Rem Koolhaas等當代建築大師所不斷努力追求的世紀任務。

註一：Patricia Urquiola，1989年畢業於馬德里理工大學建築系，為當代著名傢俱設計師，其作品廣泛見於B&B Italia、Moroso、Kartel、Dirade等知名傢俱品牌，除傢俱之外，其設計專業並同時橫跨產品、室內，以及建築等各個領域， Urquiola目前工作與定居於米蘭，並任教於義大利Domus設計學院。
註二：見Le Corbusier，‘Vers une architecture’,（Paris, 1923）。
註三：Le Corbusier在「建築的五項原則」（The Five Points of Architecture）中的Domino Skeleton，提出了獨立的結構系統概念，強調建築結構與平面立面應是分開的系統，因之建築師在規劃平面立面時便可無需考慮承重牆的位置，進而自由發 揮設計創意。
註四：見Toyo Ito，‘Blurring Architecture’（Milano, 1999）。Ito認為建築、環境，與歷史涵構之間的對抗衝突應被消彌，進而相互融合、交流，並產生對話，特別是針對電子科技所帶來的快速文化與行為變 遷，建築更應像是流動的液體一般，快速融入外在的環境變化，無論是有形的亦是無形的。

圖1：2007年科隆傢俱展，拍攝：Iris Chu

「六零時尚」﹝Sixties Feeling﹞是2007年科隆傢俱展在「新奢華」風潮引領下的另一個特色，圓滾滾的蛋型傢俱、有機造型的傢飾擺設，以及花草樣式、幾何圖形的圖騰設計 幾乎隨處可見，從Morroso、Varia、MGX、Ligne Roset、Nanoo的展覽現場所呈現的多樣趣味﹝圖2-5﹞，不禁令人強烈感受到六零年代的搖擺風華再現，解放空前；其實「六零時尚」在時尚界早已經 不是一件當下的流行，包括Marc Jacob等服裝設計師早在1997年即開始發表相關創作，同時也預測「六零時尚」將會是未來的時尚主題； 同年，在Mike Myers的Austin Powers系列電影﹝圖6﹞﹝註二﹞，也看到了六零復古時尚的再現；電影中，Mike Myers成功地將六零年代無憂無慮的顛覆思維與Austin Powers浪蕩不羈的人物性格巧妙結合，充份詮釋了六零年代因反甘迺迪、反種族、反越戰等人類社會動盪所產生的嬉皮文化反差與衝擊洗禮；「六零時尚」所 引領的時尚其實是反歷史、反體制，以及顛覆傳統、回歸真實，它反映的是人們對體制最深層的抗議反思，因此它其實是跳躍時空的，在歷經冷戰、蘇聯解體、中國 改革開放、歐盟一統的九零年代末期，「六零時尚」的出現，無疑是重新給予了人們一個美麗新世界的全新憧憬。就像是Austin Powers以六零年代的意識在九零年代甦醒，世界並沒有因此而改變他對歡樂時尚的信仰，反而因之而改變，正如同時尚服裝設計大師Karl Lagerfeld所言：「六零年代的影響力其實一直在持續，因為那是個無憂無慮的快樂年代，它代表著自由解放！」。

圖2：2007年科隆傢俱展Morroso展場，拍攝：Iris Chu

圖3：2007年科隆傢俱展Vitra展場，拍攝：Iris Chu

圖4：2007年科隆傢俱展Walter Knoll展場，拍攝：Iris Chu

圖5：2007年科隆傢俱展Lintloo展場，拍攝：Iris Chu

圖6：Austin Powers in Goldmember，取自於：www.austinpowers.com

「六零時尚」所呈現的有機造型，也展現在Zaha Hadid﹝註三﹞針對2007年科隆傢俱展所設計的「理想住屋」﹝Ideal House﹞主題展覽﹝圖7,8,9﹞；「理想住屋」一直是科隆傢俱展的重頭戲，除了展現當下的住宅設計趨勢之外，同時也在探索透過不同領域、不同國籍的 設計師觀點所詮釋的未來住居文化，過去受邀的設計師包括來自於紐約的Karim Rashid、巴黎的Ronan & Erwan Bouroullec、鹿特丹的Hella Jongerius、米蘭的Patricia Urquiola…等等，而 2007年則是邀請了倫敦的Zaha Hadid，以及東京的Naoto Fukasawa﹝深澤直人﹞等兩位設計師參與；有趣的是這兩位的組合，Zaha Hadid是以建築師的觀點詮釋「理想住屋」，而Naoto Fukasawa﹝註四﹞則是以產品設計師的觀點看待「理想住屋」﹝圖10,11,12﹞，因此，雖是同一個展覽、同一個主題，但我們卻深刻地感受到同時 來自於當代前衛理論建築與潔白簡約時尚的雙重衝擊。

圖7：Zaha Hadid：2007科隆傢俱展「理想住屋」，取自於：www.designboom.com

圖8：Zaha Hadid：2007科隆傢俱展「理想住屋」，取自於：www.designboom.com

圖9：Zaha Hadid：2007科隆傢俱展「理想住屋」，取自於：www.designboom.com

圖10：Naotao Fukasawa：2007科隆傢俱展「理想住屋」，取自於：www.designboom.com

圖11：Naotao Fukasawa：2007科隆傢俱展「理想住屋」，取自於：www.designboom.com

圖12：Naotao Fukasawa：2007科隆傢俱展「理想住屋」，取自於：www.designboom.com

Zaha Hadid，當代著名的前衛建築師，同時也是2004年的建築普立玆獎的得主，重要作品包括：位於辛辛那提的Rosenthal Center for Contemporary Arts﹝圖13﹞、位於德國萊比錫的BMW Central Building﹝圖14﹞，以及德國沃夫茲堡的Phaeno Science Center﹝圖15﹞…等等，過往以來，Hadid一直以流線型建築作為形式標記，其理論架構於動態空間經驗與連續都市紋理再現，Hadid透過她的作 品，不斷地對傳統建築操作提出大尺度的拆解重組，企圖將有形的建築材料、使用者，以及無形的空間經驗、歷史涵構重新定義，進而整合成一個全新的有機建築 體，因此，在Hadid的作品裏，每每能發現像是紛亂、脫序、碎裂的建築語彙，以及改造地表、挑戰建造技術的強烈企圖。近年來，Hadid從過去熟悉操作 的都市設計與建築設計也逐漸地延伸至更接近生活的產品設計與室內設計，例如2005年，Hadid為義大利著名品牌Alessi操刀設計了一系列的花瓶及 餐具﹝圖 16﹞，流線動態的產品造型彷彿就是一堆縮小的建築物矗立於餐桌之上，這是Hadid第一次將她的造型理念帶入最直接的日常生活中。接下來在2006年的 米蘭傢俱展，Hadid更發表了一座為DuPont Corian所設計的Z.Island先進廚房系統﹝圖17﹞，純白流暢的廚房流理台，令人不禁聯想到星際大戰的電影場景，似乎離現實生活不再是那麼虛無 縹緲了。

圖13：Zaha Hadid：Rosenthal Center for Contemporary Arts，取自於：www.danda.be

圖14：Zaha Hadid：BMW Central Building，取自於：www.europaconcorsi.com

圖15：Zaha Hadid：Phaeno Science Center，取自於：www.e-architect.co.uk

圖16：Zaha Hadid：Tea & Coffee Towers by Alessi，取自於：www.alessi.com

圖17：Zaha Hadid：Z.Island by DuPont Corian，取自於：www.corian.com

而位於西班牙馬德里的Hotel Puerta America則是Zaha Hadid的另一個令人驚豔的室內設計作品﹝圖18﹞，這是一個集結了除了Hadid本人之外，還包括Jean Nouvel、Arata Isozaki、Norman Foster、David Chipperfield、Marc Newson…等多位著名設計師所設計的旅館空間﹝註五﹞，Hadid在這個作品裏以「輕飄的線條，流動的空間」﹝Winding Lines，Fluid Spaces﹞做為設計主題，因此，在空間裏幾乎看不到任何一處垂直水平線條，有的只是充滿著流暢曲線的空間韻律，只見不論是傢俱、燈具、櫥櫃、盥洗設 施…所有的物件，全都在一個純白的空間場景裡連成一氣，不難想像，在裡面的生活，就像置身於科幻電影中的未來空間，整個空間經驗將是陌生新奇的。而 Hadid在科隆傢俱展的「理想住屋」作品，顯然正是Hotel Puerta的形式延伸，除了相同的流暢的轉折空間變化之外，在此，我們也看到了相似的螺旋吊燈，以及成系列的曲面塑型傢俱…「There is no future without curves」這是Hadid對未來的註解，她相信未來世界裡的所有介面、所有物件，包含建築本身都應該跟人的身體直接呼應，更應該是自然有機生命的一部 份，而未來的生活空間將不再會是由當下艱澀的幾何線條、充滿敵意的尖銳角度以及不連續的獨立元素所支配而成，取而代之的將是超越物質本能及機能幾何意義的 形式融合所產生的連續有機體，因此，Hadid對未來人類生活的期待想像，在這幾個作品裏可說是展露無疑，當然我們也期待Hadid即將於中國北京創造的 SOHO City能夠為未來人們的住居生活形式提出更前瞻的見解。

圖18：Zaha Hadid：Hotel Puerta America，取自於：www.hoteles-silken.com/hpam

相較於Zaha Hadid的強烈大膽，2007年科隆傢俱展「理想住屋」的另一位設計師：Naoto Fukasawa就顯得低調許多；Fukasawa原是日本著名品牌無印良品的產品設計師，簡單樸素是其設計最大的特色，因此，在他的「理想住屋」作品 裏，我們看到的是許多經過精心設計，同時展現高度工業製造品質的生活物件組合，無論是傢俱、燈具、櫥櫃、盥洗設施…整個空間可說完全再現當代設計所不斷詮 釋的極簡主義，像是Yohji Yamamoto的服裝、Kazuyo Sejima的建築、乃至於Apple iPOD所引領的簡約時尚，Fukasawa認為未來將是電子產品、數位家庭大行其道的世代，生活中將充斥著許多物件，而每一件物件，無論是在造形上，或 是使用機能上，都必須協調運作才得以獲致生活的平衡，因此，在Fukasawa的作品裏，我們看到了比較接近現實生活的真實，是關於型式與機能的互動平 衡。 1918年，法國建築大師Le Corbusier曾經提出「住宅是居住的機器」﹝A House is a Machine for Living In﹞﹝註六﹞，Corbusier認為建築必須簡單，沒有裝飾，應該結合建造技術，如同汽車一般成為大量生產的工業製品，以滿足所有普羅大眾的生活需 求；從Fukasawa的作品裏，我們似乎也感受到類似Le Corbusier的烏扥邦思維，一種可以藉由標準化生產製造的居住空間，所有的物件將改變原始的建築語彙甚至是身體語彙，例如牆原本是用於支撐的結構， 如今將與平面電視整合而成為顯像的物件，電子玩具如iPOD也將與衣著整合而成為多媒體娛樂中心，諸如此類…未來的居住空間將因為物件的造型及機能整合而 變地更加空曠，正如同另一位德國建築大師Mies van der Rohe所提出的「Less is More」，簡單並不意味貧乏，簡單其實是另一種豐足，因此，從Fukasawa的作品，我們彷彿看到了Bill Gates不斷倡導的數位家庭原型，在極簡的造型背後，其實蘊含著複雜的機能關聯，在空曠的居住空間裏，其實交織著無數的無線連網，生活的簡單表面背後永 遠是由複雜的精確設計所成就而成。 Zaha Hadid是一位建築師，她的作品呈現的是未來的流暢空間型態，Naoto Fukasawa是一位產品設計師，他的作品呈現的則是物件造型的整合，一則是空間，另一則是物件，這有趣的對比似乎也正好說明當代的整合設計思維，過去 包浩斯所追求的是工業設計、建築設計、現代藝術、雕塑、現代戲劇等所有創作形式的整合，而今日，我們所面臨的資訊時代，每一個人日常生活所面臨的問題已非 單向設計思維即可解決，產品設計師不再只專注產品，建築師也不再只是設計房子，因此，所有的設計都將回歸至真正的設計主體—「人」身上，設計本身必然性地 成為自然環境的一部分；因此，2007年的科隆傢俱展不僅是在商業面提出了對未來住居時尚的預測，同時，就文化及設計思維面，也讓我們看到了更多關於未來 的居住形式及設計整合的跨領域前瞻見解。

註一：科隆傢俱展，imm cologne，每年年初於德國科隆舉辦，為當前全世界極具產業權威的專業傢俱展，詳細展覽資訊，請見：http://www.imm-cologne.com。

註二：由Mike Myers所創造的Austin Powers系列電影包括：1997年的「Austin Powers：International Man of Mystery」，1999年的「Austin Powers：The Spy Who Shagged Me」，以及2002年的「Austin Powers in Goldmember」，等三部電影，目前可謂是「六零時尚」同時在空間、產品、時尚…等最完整也最有趣的形式呈現。

註三：Zaha Hadid，建築師，1977年畢業於英國倫敦建築聯盟﹝Architecture Association﹞，曾任美國哥倫比亞大學及哈佛大學客座教授；1983年，Zaha贏得香港The Peak Club國際競圖首獎，從此開始引起世人注目，之後並執行包括瑞士Vitra Fire Station、法國史特拉斯堡的Hoenheim-North Terminus & Car Park以及德國萊比錫的BMW Central Building等著名建築設計案；2004年，Zaha獲得象徵建築界諾貝爾獎的建築普立玆獎的肯定，其於當代建築史之地位至此達到高峰，Zaha目前 居住於倫敦。

註四：Naoto Fukasawa，深澤直人，工業設計師，1988年畢業於日本多摩美術大學工業設計系；Fukasawa曾經設計過許多知名產品，包括：無印良品 MUJI的壁掛式CD 播放器、au的INFORBAR手機、ISSEY MIYAKE的TWELVE 365手錶，累計至今，其作品已獲得歐美至少50項以上的大獎肯定。

註五：Hotel Puerta America，位於西班牙馬德里；與其說Hotel Puerta America是一間飯店，倒不如說是一棟設計博物館，它總共集結了來自13個國家，包括Jean Nouvel、Zaha Hadid、Norman Foster、David Chipperfield、Plasma Studio、Victorio & Lucchino、Marc Newson、Ron Arad、Kathryn Findlay、Richard Gluckman、Arata Isozaki、Javier Mariscal & Fernando、John Pawson、Christian Liaigre、Teresa Sapey、Harriet Bourne & Jonathan Bell、Arnold Chan、Felipe Saez de Gordoa，以及Oscar Neimeyer等多位頂級設計師及建築師的空間設計作品於一身，來到飯店，小至衛浴設備，大至停車場，全是大師傑作，處處充滿了驚奇創意。欲獲知更多關 於Hotel Puerta America的資訊，請見：http://www.hoteles-silken.com/hpam。 註六：見Le Corbusier，‘Vers une architecture’,（Paris, 1923）。